Opinión

Bad Taste es Peter Jackson en su estado más salvaje, artesanal y desquiciado. Mucho antes de El Señor de los Anillos, Jackson construyó prácticamente con sus propias manos una película de extraterrestres, gore y humor absurdo que terminó convirtiéndose en una auténtica cinta de culto.

Lo impresionante no es solamente lo grotesca que puede llegar a ser, sino lo que Jackson consigue con recursos mínimos. La película fue realizada durante aproximadamente cuatro años, aprovechando fines de semana y con la participación de amigos del director. Jackson fue director, guionista, productor, fotógrafo, editor, actor y responsable de buena parte de los efectos y maquillaje. Te Ara

Y precisamente esa limitación económica termina convirtiéndose en parte de su encanto. Los efectos son rudimentarios, pero tienen una creatividad enorme. Jackson entiende que para provocar una reacción no siempre se necesita dinero: basta con una buena idea, litros de sangre falsa y una absoluta falta de vergüenza.

El humor es completamente absurdo y deliberadamente vulgar. Bad Taste prácticamente inventa su propio tono: splatter + ciencia ficción + comedia física + cine de explotación. Hay momentos en los que parece que Jackson simplemente está compitiendo consigo mismo para descubrir hasta dónde puede llevar una escena.

La película además deja ver las obsesiones que posteriormente desarrollarían su carrera: monstruos, maquillaje, criaturas grotescas, violencia exagerada y un gusto evidente por llevar el espectáculo hasta el extremo.

Lo mejor

• El ingenio de sus efectos especiales artesanales.
• El gore exagerado y deliberadamente ridículo.
• El humor negro.
• La energía de Peter Jackson detrás y delante de la cámara.
• La creatividad conseguida con un presupuesto diminuto.
• Su personalidad: es imposible confundirla con una película convencional.
• El personaje de Derek y sus absurdas situaciones de supervivencia.

Lo peor

• La calidad de producción es evidentemente amateur.
• El argumento es prácticamente una excusa para encadenar escenas de violencia y humor.
• El ritmo puede sentirse irregular.
• Algunos chistes han envejecido peor que otros.
• Si no disfrutas del splatter y el humor extremadamente grotesco, probablemente será difícil entrar en su propuesta.

Veredicto final

Bad Taste es una de esas películas que demuestran que la imaginación puede compensar la falta de presupuesto.

Peter Jackson todavía estaba muy lejos del cine espectacular que realizaría décadas después, pero aquí ya aparece algo fundamental: una capacidad extraordinaria para construir mundos visuales y convertir lo grotesco en entretenimiento.

No es una película técnicamente perfecta —ni pretende serlo—. Es una declaración de principios cinematográfica hecha a base de sangre, extraterrestres, humor absurdo y muchísimo entusiasmo.

Para Jacob, Bad Taste merece ser vista no solamente como una comedia de terror, sino como el fascinante primer paso de uno de los directores que posteriormente transformaría el cine fantástico.

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Esta nueva Resident Evil entiende algo fundamental que varias de sus antecesoras habían perdido: el miedo funciona mejor cuando el espectador se siente indefenso.

Zach Cregger, director de Barbarian y Weapons, lleva la franquicia nuevamente hacia el terreno del survival horror. En lugar de convertirla simplemente en una película de acción con zombis, construye una experiencia que recuerda constantemente a los videojuegos: recursos limitados, exploración, espacios claustrofóbicos, criaturas inesperadas y una sensación permanente de peligro. The Guardian

Austin Abrams funciona muy bien como Bryan. No es el típico héroe de acción prácticamente invencible; su personaje tiene miedo, comete errores y muchas veces simplemente intenta escapar. Esa vulnerabilidad hace que el espectador se involucre más con su supervivencia.

Otro acierto es que Cregger no intenta repetir la historia de los juegos literalmente. La película ocurre durante el caos de Raccoon City y tiene conexiones con el universo de Resident Evil 2, pero desarrolla una historia original y no depende de personajes como Leon Kennedy o Jill Valentine. EW.com

También hay numerosos detalles destinados directamente a los jugadores: cámaras en primera y tercera persona, armas reconocibles, hierbas verdes, aerosoles de primeros auxilios, máquinas de escribir, acertijos y diferentes tipos de criaturas. No son simples referencias decorativas; ayudan a que la película tenga la estructura de una partida de Resident Evil. EW.com

Y el humor negro funciona sorprendentemente bien. La película sabe cuándo generar tensión y cuándo romperla con una situación absurda o un comentario inesperado.

Lo mejor

• Zach Cregger recupera el espíritu del survival horror.
• Austin Abrams ofrece un protagonista vulnerable y fácil de seguir.
• Excelente utilización de elementos propios de los videojuegos.
• Buen equilibrio entre terror, acción y humor negro.
• Las criaturas y escenas de violencia tienen bastante impacto.
• El ritmo es muy ágil: apenas 90 minutos. Rotten Tomatoes
• Puede disfrutarse incluso sin haber visto las películas anteriores.

Lo peor

• La historia no profundiza demasiado en algunos personajes secundarios.
• Los seguidores que esperaban ver a Leon, Jill u otros protagonistas clásicos pueden sentirse decepcionados.
• Algunas decisiones narrativas privilegian el espectáculo sobre el desarrollo.
• El desenlace puede resultar menos satisfactorio que el recorrido hasta llegar a él.

Veredicto final

Resident Evil demuestra que una adaptación de videojuego no necesita copiar literalmente el material original para entenderlo.

Zach Cregger consigue trasladar a la pantalla varias de las sensaciones que hicieron especial a los juegos: explorar lugares desconocidos, administrar recursos, escuchar un ruido sin saber qué hay detrás de una puerta y enfrentarse a criaturas que parecen cada vez más grotescas.

Es una película compacta, violenta, divertida y, sobre todo, mucho más cercana al espíritu del survival horror que a la típica cinta de zombis de acción.

Para Jacob, es una de esas películas que funcionan mejor cuando se entra a la sala sin esperar otra aventura de Milla Jovovich y se acepta como un nuevo comienzo para Resident Evil.

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Opinión

La leyenda de Ochi es una película que apuesta por recuperar el espíritu de las aventuras fantásticas familiares de los años 80, con una clara influencia de E.T. y Cristal Oscuro. Su mayor virtud está en su apartado artesanal: las criaturas, los paisajes y la dirección de arte consiguen darle una personalidad que se agradece en una época dominada por el CGI. FilmAffinity

Isaiah Saxon, en su debut como director de largometraje, construye un mundo visualmente atractivo y aprovecha muy bien los paisajes de los Cárpatos. Helena Zengel funciona como protagonista y consigue transmitir la evolución de Yuri de una niña temerosa a alguien capaz de cuestionar las ideas con las que fue criada.

También destaca Willem Dafoe, que aporta una presencia mucho más intensa de lo que una película familiar convencional podría necesitar.

El problema está en el guion. La historia es sencilla y, en varios momentos, demasiado predecible. La película tiene buenas ideas sobre el miedo a lo desconocido, la relación con la naturaleza y la intolerancia, pero no siempre consigue desarrollarlas con suficiente profundidad. Cinefilia

Aun así, sus 95 minutos pasan relativamente rápido y el aspecto artesanal termina siendo suficiente para convertirla en una experiencia agradable, especialmente para quienes extrañan ese tipo de fantasía familiar hecha con criaturas físicas y escenarios reales.

Lo mejor

• El diseño y la realización artesanal de los ochi.
• Los paisajes de los Cárpatos.
• Helena Zengel como Yuri.
• Willem Dafoe, siempre magnético.
• La fotografía y la dirección de arte.
• Su homenaje al cine fantástico familiar de los años 80.
• Una duración de apenas 95 minutos. Apple TV

Lo peor

• La historia resulta bastante predecible.
• Algunos personajes están poco desarrollados.
• El ritmo puede sentirse lento para una película dirigida al público familiar.
• El mensaje sobre el miedo y la intolerancia es bastante evidente.
• El tercer acto recurre a soluciones demasiado convencionales.

Veredicto final

La leyenda de Ochi no reinventa el cine de aventuras, pero sí recupera una forma de hacer fantasía que se siente cada vez más rara. Su encanto está menos en la originalidad de la historia y más en la manera artesanal de construir su mundo.

Es una película bonita, sincera y visualmente atractiva, aunque su guion no consigue estar a la altura de sus imágenes.

Para Jacob, es una aventura recomendable para quienes disfrutan del cine fantástico clásico y prefieren criaturas, paisajes y efectos físicos antes que una avalancha de CGI.

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Nouvelle Vague es, ante todo, una carta de amor al cine. Linklater no intenta realizar una biografía convencional de Godard; prefiere capturar el espíritu de una generación que decidió romper las reglas y descubrir nuevas formas de contar historias.

La decisión de rodarla en blanco y negro, con encuadres, montaje y movimientos de cámara inspirados en el cine francés de finales de los cincuenta, funciona especialmente bien. La película no solamente habla de la Nouvelle Vague: intenta sentirse como una película perteneciente a ella. Festival de Cannes

Guillaume Marbeck interpreta a un Godard peculiar, arrogante, impredecible y obsesionado con el cine. Zoey Deutch y Aubry Dullin completan un trío protagonista que ayuda a reproducir la energía de aquellos jóvenes cineastas y actores que estaban construyendo algo completamente nuevo. Festival de Cannes

Lo más interesante es que Linklater evita convertir a Godard en un genio intocable. Lo muestra como alguien difícil, improvisador y muchas veces desconcertante. Precisamente ahí está buena parte del encanto.

El resultado probablemente será mucho más disfrutable para quienes conocen Sin aliento y el cine de la Nouvelle Vague, pero incluso para un espectador menos familiarizado funciona como una puerta de entrada a una de las revoluciones más importantes de la historia del cine.

Lo mejor

• La recreación en blanco y negro.
• El enorme cariño de Linklater por la historia del cine.
• Guillaume Marbeck como Jean-Luc Godard.
• La recreación del ambiente cinematográfico del París de 1959.
• Su humor y ligereza.
• La forma en que reproduce el espíritu experimental de la Nouvelle Vague.
• Es una película que puede despertar interés por volver a ver Sin aliento.

Lo peor

• Puede resultar demasiado complaciente para quienes ya conocen profundamente a Godard.
• Algunos personajes secundarios aparecen más como referencias cinéfilas que como personajes desarrollados.
• Su ritmo pausado puede no funcionar para espectadores que no tengan interés particular por la historia del cine.
• La película celebra tanto a la Nouvelle Vague que en ocasiones la crítica queda en segundo plano.

Veredicto final

Nouvelle Vague no pretende superar a Godard ni explicar definitivamente la revolución cinematográfica francesa. Quiere celebrar el momento en que esa revolución comenzó, y lo hace con elegancia, humor y una enorme pasión cinéfila.

Richard Linklater consigue algo particularmente difícil: hacer una película sobre la historia del cine que también tenga personalidad propia.

Para un amante del séptimo arte, es prácticamente una invitación a regresar a Sin aliento, Los 400 golpes, Pickpocket y otras obras que cambiaron para siempre el lenguaje cinematográfico.

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Sinopsis breve

Celeste, una exfrancotiradora del Ejército, vive con su hija en un pequeño parque de casas rodantes en el desierto. Su tranquila existencia se convierte en una pesadilla cuando un grupo de supersoldados genéticamente modificados escapa de una instalación militar secreta y comienza una brutal persecución. Celeste tendrá que volver a utilizar sus habilidades de combate para proteger a su hija. A24 Films

Opinión

Onslaught sabe perfectamente qué película quiere ser: un espectáculo de violencia, sangre, armas y monstruos humanos con espíritu de VHS ochentero. Wingard recupera parte de la energía que mostró en You’re Next y The Guest, pero esta vez lleva la fórmula hacia el terreno del slasher militar.

Adria Arjona es, sin duda, el gran acierto. Celeste podría haber sido simplemente otra heroína de acción, pero Arjona le aporta dureza, vulnerabilidad y una presencia física que hace creíble que pueda enfrentarse a los supersoldados. Incluso algunos críticos ya la señalan como una posible nueva estrella del cine de acción. The Daily Beast

Visualmente la película funciona muy bien. La fotografía, el sonido y la violencia están diseñados para recuperar el sabor del cine de explotación de los 80. Hay ecos evidentes de Carpenter, especialmente de Assault on Precinct 13, además de Halloween y Terminator. SlashFilm

El problema está en que promete más de lo que finalmente entrega. La película construye durante buena parte de su metraje una expectativa enorme alrededor del enfrentamiento y, cuando finalmente llega el momento de desatar el caos, termina demasiado pronto. Varias críticas coinciden precisamente en que el tercer acto resulta apresurado o poco satisfactorio. The Guardian

Lo mejor

• Adria Arjona, absolutamente convincente como heroína de acción.
• La estética retro y el homenaje al cine de Carpenter.
• Buenos efectos prácticos y momentos de violencia bastante contundentes.
• Dan Stevens disfrutando enormemente de su personaje excéntrico.
• Un ritmo rápido gracias a sus apenas 92 minutos.
• La fotografía y el diseño sonoro elevan una historia sencilla. SlashFilm

Lo peor

• La historia resulta bastante predecible.
• Muchos personajes son arquetipos de películas de acción.
• El desarrollo tarda demasiado en llegar al enfrentamiento que promete.
• El desenlace se siente apresurado, dejando la sensación de que faltó una parte de la película.
• Su homenaje a los clásicos ochenteros a veces se acerca demasiado a la imitación.

Veredicto final

Onslaught es una película divertida, sangrienta y visualmente atractiva, pero también irregular. Adam Wingard demuestra que conoce perfectamente los códigos del cine de acción-terror y consigue algunos momentos realmente disfrutables, aunque el guion no está a la altura de su puesta en escena.

No es el regreso definitivo de Wingard al cine de culto que podría haber sido, pero sí un B-movie descarado y entretenido, especialmente recomendable para quienes disfrutan de Carpenter, Terminator, The Guest y el cine de acción ochentero.

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Opinión (reseña)

Después de un final casi perfecto en Toy Story 4, la existencia de una quinta entrega despertó muchas dudas. Sin embargo, Pixar consigue justificar su regreso con una historia que no vive únicamente de la nostalgia, sino que plantea una reflexión actual sobre la infancia y la relación de los niños con la tecnología.

Dirigida por Andrew Stanton, la película recupera el corazón emocional de la saga sin dejar de ofrecer humor y aventura. Jessie adquiere un protagonismo mayor, mientras Woody y Buzz vuelven a compartir pantalla de forma natural. El conflicto entre los juguetes tradicionales y los dispositivos electrónicos resulta pertinente y conecta con una realidad que viven muchas familias.

Aunque algunos momentos siguen una estructura familiar y el impacto emocional no alcanza el nivel de Toy Story 3, la película demuestra que la franquicia todavía tiene historias que contar cuando estas nacen de una idea con sentido y no únicamente del deseo de prolongar una marca.

Lo mejor

• Reflexión inteligente sobre la tecnología y la infancia.
• Jessie adquiere un papel más relevante.
• Reencuentro emotivo entre Woody y Buzz.
• Animación impecable y gran diseño visual.
• Conserva el humor y el corazón característicos de Pixar.

Lo peor

• No alcanza la fuerza emocional de las mejores entregas de la saga.
• Algunos conflictos se resuelven con demasiada rapidez.
• Repite ciertas fórmulas conocidas de la franquicia.

Veredicto final

Toy Story 5 demuestra que aún es posible expandir una saga legendaria cuando existe una historia con un tema relevante detrás. Aunque no supera a las entregas más icónicas, ofrece una aventura emotiva, divertida y pertinente para una nueva generación de espectadores.

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Opinión (reseña)

Dirigida por Lewis Teague y basada en relatos de Stephen King, Los ojos del gato es una entretenida antología que combina terror, humor negro y fantasía. A diferencia de otras adaptaciones de King centradas en el horror explícito, esta película apuesta por historias de suspenso con un tono accesible y un toque de ironía.

Cada segmento tiene una identidad propia, aunque es el último el que deja la mayor impresión gracias a su mezcla de tensión, imaginación y aventura. La película mantiene un buen ritmo y sabe equilibrar el miedo con momentos de humor, aunque la calidad entre los relatos no siempre es uniforme.

Con el paso de los años, Cat’s Eye se ha convertido en una pequeña obra de culto para los aficionados al cine de terror de los años 80 y a las adaptaciones de Stephen King.

Lo mejor

• Tres historias variadas y entretenidas
• Excelente combinación de suspenso y humor negro
• Carismática presencia del gato como nexo narrativo
• Último segmento especialmente memorable
• Buen ritmo y duración

Lo peor

• Calidad desigual entre los relatos
• Algunos efectos especiales han envejecido
• El primer episodio se extiende más de lo necesario

Veredicto final

Una antología de terror clásica que demuestra la versatilidad de Stephen King y el encanto del cine fantástico de los años ochenta. Sin ser una película aterradora, ofrece historias ingeniosas y una atmósfera que sigue funcionando décadas después de su estreno.

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Opinión (reseña)

Dirigida por David Cronenberg, Crash es una de las películas más provocadoras y frías del cine contemporáneo. Cronenberg utiliza el cuerpo humano y la tecnología como extensiones del deseo, creando una experiencia incómoda donde el erotismo y la destrucción se mezclan constantemente.

La película evita el morbo convencional y adopta un tono clínico y distante, lo que hace que sus escenas resulten aún más perturbadoras. Más que provocar gratuitamente, Crash funciona como una reflexión sobre la deshumanización, el fetichismo y la relación obsesiva entre las personas y las máquinas.

Lo mejor

• Concepto extremadamente original
• Atmósfera fría y perturbadora
• Dirección precisa y estilizada
• Reflexión provocadora sobre deseo y tecnología

Lo peor

• Distancia emocional deliberada
• Ritmo lento y repetitivo
• Contenido incómodo para muchos espectadores
• No busca ser accesible

Veredicto final

Una obra transgresora y profundamente incómoda que desafía al espectador desde el inicio. No es una película para disfrutar en el sentido tradicional, sino para experimentar y analizar.

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Opinión (reseña)

Dirigida por Curry Barker, Obsession apuesta por un enfoque íntimo y perturbador del thriller psicológico. La película se apoya más en la tensión emocional y el deterioro mental del protagonista que en grandes giros narrativos, construyendo una atmósfera incómoda y claustrofóbica.

Aunque su producción es modesta, Barker logra transmitir ansiedad y vulnerabilidad mediante una puesta en escena minimalista y actuaciones intensas. En algunos momentos el ritmo puede sentirse repetitivo, pero la película mantiene suficiente tensión para sostener el interés.

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Lo mejor

• Atmósfera psicológica inquietante
• Buen manejo de la tensión emocional
• Protagonista perturbador y convincente
• Estilo íntimo y claustrofóbico

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Lo peor

• Ritmo irregular en algunos tramos
• Producción limitada
• Algunas situaciones pueden sentirse previsibles

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Veredicto final

Un thriller psicológico pequeño pero efectivo que explora la obsesión y el deterioro mental desde una perspectiva incómoda y cercana. No reinventa el género, pero sí logra generar tensión constante.

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Tras el suicidio de un adolescente llamado Ken Park, la película sigue la vida de varios jóvenes skaters y sus familias en un suburbio estadounidense. Entre violencia, abuso, sexualidad y abandono emocional, cada personaje intenta lidiar con un entorno profundamente disfuncional.

Opinión (reseña)

Dirigida por Larry Clark y coescrita por Harmony Korine, Ken Park continúa la exploración cruda y provocadora de la juventud marginal que ambos autores ya habían trabajado en Kids.

La película adopta un tono incómodo y confrontacional, mostrando la desconexión emocional entre adolescentes y adultos. Su enfoque explícito busca generar impacto y cuestionar la decadencia familiar y social, aunque en ocasiones parece más interesado en provocar que en profundizar emocionalmente en sus personajes.

Lo mejor

• Retrato brutal y sin filtros de la alienación juvenil
• Estilo naturalista y actuaciones convincentes
• Atmósfera incómoda pero efectiva
• Crítica social directa

Lo peor

• Contenido extremadamente explícito
• Narrativa fragmentada y desigual
• Algunas escenas parecen hechas solo para impactar
• No apta para todo público

Veredicto final

Una película provocadora y difícil de ver que divide opiniones. Más que entretenimiento, funciona como una experiencia incómoda sobre el vacío emocional y la decadencia familiar.

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